The shape of water

di Guillermo Del Toro
USA, 2017

Meno favoloso del mondo di Amelie, più realistico di Edward Manidiforbice. "The shape of water" attinge alla cinematografia più ricca sui freaks, a partire dal soggetto clonato dal "mostro della palude", per arrivare alla scena conclusiva che tanto ricorda quella di "Lezioni di piano". 

La sceneggiatura non perde occasione per confermare tutte le certezze dello spettatore, senza un colpo di scena che sia uno, nè i personaggi sorprendono, ben radicati nei loro clichè, eppure...

...eppure è un film da vedere, non per tutti i premi ai quali è ed è stato candidato o che ha vinto, ma perchè è girato con fine maestria. Sorvolando su ambientazione e fotografia da dieci e lode, resta il fatto che Guillermo Del Toro è un cineasta che di cinema ne sa; sa perfettamente che ciò che conta non è cosa racconti ma come lo fai. Sa esattamente su quali emozioni intervenire e come assortirle in quelle due ore. Dal riso al pianto, passando per la paura, coinvolge e stravolge con quel fare strisciante che dilaga, come un pianto dirotto e inarrestabile, sui titoli di coda.Consegna al cinema un apologo del diverso non già emarginato e doloroso come "The elephant man" ma consapevole di sè e del mondo. I suoi personaggi sono tante facce di una stessa medaglia, una schiera di diversi che si incontrano su di un unico ring e si affrontano senza esclusione di colpi, in un gioco al massacro in cui le vittime si fanno carnefici e le spie diventano eroi. Elisa, muta e bruttina, trasuda sex-appeal dopo aver incontrato l'amore, derapando dalla routine perchè ha abbracciato la sua missione, così come Dimitri e Giles. Non serve dunque una disabilità propria o di chi ci è accanto per capire che basta molto meno per essere outsiders; basta smettere di lottare o farsi mettere da parte. Si sceglie di essere ai margini continuando a vivere con coerenza.

Chi stabilisce cosa è diverso?

Da vedere.

Perfetti sconosciuti

Di Paolo Genovese

Italia, 2016

Sette amici si incontrano a cena e la complicità, la noia o forse la curiosità li portano a fare un gioco che ne metterà a rischio le rispettive esistenze…forse.

Lele, Carlotta, Peppe, Bianca, Eva, Rocco e Cosimo non sembrano avere molto da nascondere eppure, condividere chiamate e messaggi ricevuti durante la cena sui propri cellulari, scoprirà un mondo nascosto dentro ognuno di loro.

Paolo Genovese apre le porte della “scatola nera” dell’italiano medio, il cellulare, attribuendogli un potere assoluto e catartico, in grado di tracciare il profilo del possessore fino a diventarne possessore a sua volta. Il proprietario posseduto e quindi schiavo dei segreti contenuti in una Sim: foto, numeri, conversazioni, persone virtuali che esistono grazie al potere esercitato sui riceventi. Un potere sempre più grande quanto più estremi sono i segreti che cela. Ma se per gioco, durante il tempo di un’eclisse, i misteri dovessero venire a galla in un gioco al massacro, nessuno sarebbe più lo stesso. “Chi è senza peccato scagli la prima pietra”, laddove il peccato risulta il convenzionalismo che rende schiavi al punto che la trasgressione è la ricerca di libertà. Sette personaggi, cinque coinvolti ed invischiati in intrecci morbosi, uno saggio e poi Bianca; la quint’essenza di quella libertà, ingenuità e trasparenza che dovrebbe restarci attaccata addosso per la vita e che invece perdiamo inquinati dai vizi che ci accadono strada facendo. Un gioco al massacro che coinvolge e sconvolge i protagonisti in un “Carnage” più bonario della versione di Polanski ma che punta ugualmente il dito contro manie e fobie del nostro tempo. Man mano che l’eclisse si compie i misteri crescono e detonano fino a far piazza pulita di ciò che rimane dei buoni sentimenti ma col suo finire ecco che magicamente si piomba in uno stato onirico indefinito tanto e tale da pensare “sogno o son desto”? La realtà si confonde con “il sarebbe potuto accadere” e lascia il dubbio allo spettatore su cosa nella vita sia necessario: convenzioni o verità. Io non ho dubbi e voi?

Un plot già visto e forse eccessivo ma mai assurdo. Un cast compatto ed affiatato, una boccata d’aria fresca con attori perfetti nella loro normalità. Bravi.

La pazza gioia

di Paolo Virzì

Italia, 2016

Beatrice è bionda, ricchissima e raffinata. Donatella è bruna, tatuata e povera. Cosa le unisce? Sono pazze!

O almeno “ritenute tali da alcune perizie”. Chiuse in un centro riabilitativo nella campagna Toscana, stringono un’amicizia fatta di contrasti e incomprensioni, di profonde differenze d’estrazione sociale ed educazione ma solida. Al punto da fuggire insieme in un’avventura rocambolesca che le porterà da una cittadina all’altra in cerca della felicità.

Virzì ha fatto il salto, già da qualche anno e sebbene i suoi film mantengano alcuni stralci di leggerezza, ormai vanno a fondo e tagliano più di una lama affilata. “La pazza gioia” condensa alcuni tra i temi più commoventi dell’essere umano: maternità, depressione, solitudine, emarginazione e lo fa descrivendo un microcosmo alieno ma regolato dalle stesse regole della società “reale”. La storia non è troppo originale e i panorami sono noti ai suoi spettatori ma la precisione certosina con la quale sono costruiti i personaggi, tutti, compresi le comparse e i camei illustri come Anna Galiena e Marco Messeri, rendono questa pellicola una piccola gioia per gli occhi e per l’anima che commuove profondamente e diverte. Diverte la leggiadra follia di Beatrice, contessa mai dimentica del ruolo che resta capricciosa e viziata anche tra le mura sudicie del centro, convinta che la vera felicità sia nelle cose belle; commuove la solitudine di Donatella, nata sfortunata che paga le scelte di pancia che ha fatto fino a quel momento e se le porta scritte addosso e nel cuore. Entrambe però lucide ed intelligenti, a dimostrare che a volte la follia passa per il troppo ragionare, per il volersi opporre alle regole e il non voler accettare le cose per come vengono. La loro fuga è una ribellione alle imposizioni ma anche un viaggio nell’accettazione che non esiste altro luogo più sicuro ed accogliente di quello in cui sono accolte come malate perché trattate con umanità piuttosto che vivere nel mondo esterno dove sono state rifiutate d usate. La sottile linea tra follia e intelligenza viscerale vacilla più d’una volta mostrandone i lati più acuti ma anche lasciando intuire come forse, il vero assurdo sia nelle convenzioni e nella rincorsa al soldo e al potere. Nessuno spiega perché ad un certo punto s’impazzisca, quale sia l’interruttore spinto il quale non si torni più indietro e se sia più confortante adagiarsi nel riconoscimento di un’autorevole anormalità piuttosto che annaspare per dimostrare al mondo di avere le carte in regola. E quando il mondo le rifiuta, loro se ne servono fino in fondo.

Qualche forzatura nella sceneggiatura, diverse citazioni illustri da “Thelma & Louise” a “Ragazze interrotte” ma ad offuscare il tutto, l’eccellente prova d’attrice di Valeria Bruni Tedeschi che se nell’aspetto ricorda la più splendente Eleonora Giorgi, con la sua voce roca e il broncio accennato, domina la scena dal primo all’ultimo fotogramma, esplodendo in una miriade di sfumature umane da Actor’s Studio. Divertente, profonda, drammatica e lieve, perfetta. Come perfetta spalla è Michela Ramazzotti, fedele al personaggio trucido, unico contraltare per veicolare la vicenda. 

Forse“Nessuno ha mai trovato la felicità in un tramezzino”ma questo è un film che non può essere perso. 

Lo chiamavano Jeeg Robot

Di Gabriele Mainetti

Italia, 2015

Enzo Ceccotti è un criminale da strapazzo, senza famiglia e senza amici, dedito solo al budino alla vaniglia,  fino a quando non cade nel Tevere esponendosi, senza saperlo a delle misteriose radiazioni che gli conferiscono una forza sovrumana. La sua vita cambia, lentamente, incrociando il destino di Alessia, dello “Zingaro” e la sua Gang.

Che Gabriele Mainetti sia parte di quella generazione che Jeeg Robot lo ha visto inedito in tv, ogni pomeriggio da bambino, che abbia visto “Leon” ed “Arancia Meccanica” è fuori discussione, così come è chiaro che dirigendo Claudio Santamaria e Luca Marinelli non abbia sbagliato cast…ma che la sua sia un’opera prima da manuale, che il suo script non abbia momenti dubbi né veda una regia stanca, mai, conferma “Lo chiamavano Jeeg Robot” uno fra i film più intelligenti e soddisfacenti della stagione. Dotato di un ritmo incalzante che richiama il miglior “Frantic” con scene in equilibrio fra “Suburra” e “Gomorra”, ugualmente spietato ed efferato in più di una sequenza, non dimentica nemmeno per un momento di parlare di personaggi dal forte lato umano; dal protagonista fino all’ultima comparsa, ognuno mostra un carattere ben delineato che lo rende il piccolo centro di un universo di miseria. Tutti co-attori di una guerra tra poveri in cui la rincorsa alla celebrità nasce da una comparsata in televisione; la vera tragedia che sconvolge vite e menti facendo emergere le più recondite follie sanguinarie. Finalmente un eroe vero, così autentico da non aver bisogno di tuta né  mantello per desiderare di essere salvati da un abbraccio di disperazione che culmina nel compimento del proprio destino, al servizio di quella “gente” e di quel mondo che lo avevano rinchiuso tra quattro pareti luride. Non è mai troppo tardi per la vita né per l’amore ma l’eroe, si sa, non ha appello e come nella migliore delle tradizioni compie il suo destino vegliando la città dall’alto, tornando a quella stessa solitudine che l’ha visto protagonista.

La capacità di trasporre il Giappone post-nucleare di Go-Nagai in una Roma decadente, fatta di violenza alla luce del sole, esula dal rendere il panorama troppo partigiano e se un romano può apprezzare qualche chicca ambientale e linguistica in più, la storia si eleva al di sopra delle parti diventando un grido universale di rivincita verso un mondo che non può finire così.

Da un lato un Claudio Santamaria che recita col cuore in mano, mortificato nel fisico da un sovrappeso considerevole che lo rende eccellente nella sua essenza d’attore, dall’altro Luca Marinelli che ci aveva preparati a personaggi costruiti in maniera maniacale ma mai così perfetti nella loro istrionica detonazione. Begli attori, buon ritmo per un obbiettivo che non si poteva fallire: l’eroe per eccellenza, consacrato dentro e fuori lo schermo.

“Un’emozione da poco” reinterpretata da Marinelli è la perfetta espressione grottesca della follia mistificata in un momento di alto cinema altalenante tra il serio e il faceto. Altri momenti musicali rendono giustizia alla musica leggera italiana esplodendo qua e là con tutta la normalità consentita ad una scampagnata tra amici.

Imperdibile.

Non essere cattivo

Di Claudio Caligari

ITA 2015

Ostia 1995, Vittorio e Cesare sono amici dall’infanzia e da sempre condividono una vita di sballo, piccoli crimini e acidi.

Vivono la notte ad alta velocità, con compagni d’avventura della stessa risma, facendo comunque capo a loro stessi: Vittorio per Cesare e Cesare per Vittorio. Vite drammatiche alle spalle, nessun appello per una vita migliore, solo la strada e la notte.

Ma un giorno, quando Vittorio supera ogni limite e sembra perduto, capisce che è arrivato il momento di smettere. La via della riabilitazione non sarà semplice né certa; non è facile chiudere la porta al passato e non si possono dimenticare gli amici.

Film di Claudio Caligari, recentemente scomparso, “Non essere cattivo”  è considerabile un omaggio a Pasolini e ai suoi “Ragazzi di vita”, perché racconta dell’ultima generazione di veri disperati, prima dei flussi migratori, prima della crisi, prima che l’Italia stessa cambiasse. Caligari parla di fatti noti, la sua vicenda non è originale ma ci torna a far pensare ad una generazione cresciuta sul niente, dal niente. Senza ideali e senza speranza, in cerca del “lavoretto” facile, capace di ridere al bar di una rapina malriuscita con la stessa leggerezza di chi suona a citofoni sconosciuti e scappa via. Il film descrive un’umanità cattiva per forza che nel suo microcosmo ci sta bene perché non conosce alternativa e che, nonostante i crimini, mantiene la spensierata esigenza di una partita a pallone con gli amici sulla spiaggia. Solo il confronto con i buoni, quelli che si spezzano la schiena e sopravvivono onestamente,  riesce a compiere il miracolo ed arrivare al cuore di qualcuno di loro. Troppo spinto il contesto descritto? Troppo esagerate le vite dei protagonisti? Forse è solo la verità ed a volte, può superare la finzione ma il regista non ci abbandona senza un briciolo di speranza o almeno è ciò che sembra. Un film violento non solo nei fatti narrati ma nel forte senso di disperazione e di ineluttabilità che trasuda, sul quale però veglia forte il sentimento genuino di amicizia che sopravvive a qualunque dramma.

Potenti i personaggi, Cesare (Luca Marinelli) e Vittorio (Alessandro Borghi), differenti facce di una stessa medaglia, così diversi eppure così uguali.

In ogni essere umano alberga il bisogno di affetto, anche nel più efferato ed è questo il messaggio che trapela, lasciando una possibilità ad ognuno di noi.

Da vedere perché racconta un pezzo di storia del nostro paese, ben fatto e ben narrato. Sarebbe bello però che certe opere avessero il loro riconoscimento anche prima di diventare postume. 

Tale of tales

Di Matteo Garrone

Una regina sterile, Un re passionale ed un Padre infantile. E ancora morte, nascita, mistero ed inganno. Ma anche trasformazione, riscatto e giustizia.

Tre racconti che s’incastonano nella tradizione letteraria italiana del diciassettesimo secolo e che, attraverso draghi, principesse ed incantesimi, raccontano l’umanità sullo sfondo dell’ineluttabilità dei fatti.

Tratto da “Lo cunto de li cunti” di Giambattista Basile, narratore raffinato ma rivolto al volgo, associato al Boccaccio per la coralità e circolarità dei suoi racconti, “Il racconto dei racconti” è il primo film internazionale di Garrone. Dopo aver raccontato le miserie umane (Primo amore, L’imbalsamatore) e poi l’Italia (Gomorra, Reality), realizza una pellicola dal sapore internazionale girando in inglese e chiamando grandi nomi fra cui Salma Hayek, Vincent Cassel e John C. Reilly. Il film funziona molto bene grazie a tre racconti in equilibrio tra il fantastico e il cruento che non risparmiano sangue e massacri, narrando di un tempo che fu, in cui la vita era davvero così. Una regina in cerca di un figlio si affida ad un mago sacrificando il suo re. Un re sciocco dà la figlia in sposa ad un orco per gioco. Due sorelle batteranno la vecchiaia sacrificando la vita. Tutto ha un senso e tutto torna nella narrazione dell’assurdo. Un grande esordio per una pellicola che è una inconfutabile dichiarazione d’amore all’Italia e alla sua storia; le scenografie sono realizzate con interni fastosi ed esterni magici di castelli e regge italiani: Castel Del Monte, Roccascalegna e il Castello reale di Napoli.  Affidando camei ad attori italiani (Alba Rohrwacher e Massimo Ceccherini) non si taglia il filo sottile d’affezione per le proprie origini ma la potenza interpretativa delle grandi star che riescono a diventare piccole in onore della narrazione è tanta. Godibilissimo il personaggio i Vincent Cassel.

L’impatto visivo e le scelte cromatiche delle messe in scena, dalla regina nera su sfondo immacolato che pasteggia con un cuore insanguinato, alla giovane diafana dai capelli rossi nella foresta, sono un richiamo alla pop-art la prima e un omaggio a Klimt la seconda.

Chi ha criticato Garrone per aver “raccontato solo una storia” non ha compreso la sua opera: un grande film in cui la regia diventa esercizio di stile. Lo sa fare e lo fa bene.

Da vedere.

Mia Madre

Di Nanni Moretti

Italia, 2015

Margherita e Giovanni sono fratelli, professionisti affermati alle soglie della mezza età. Le loro vite sbandano alla notizia che la madre Ada sta affrontando l’ultima malattia che la porterà alla morte. Ognuno col suo carattere e con le sue debolezze affronterà il verdetto, attraverso un lento percorso di accettazione della fine.

Ultima fatica di Nanni Moretti, presentato a Cannes 2015, “Mia madre” è un dolente spaccato del quotidiano, quando la routine viene intaccata da una diagnosi inoppugnabile. Di fronte alla morte c’è solo la possibilità di accettarne l’evento ma chi può dirsi pronto a misurarcisi? Nevrotica ed impulsiva Margherita, metodico e silenzioso Giovanni, i due si ritrovano al capezzale della madre impegnandosi, ognuno con le sue possibilità, ad accompagnarla con la maggior levità e serenità possibile. Ma non ce la fanno. Entrambi detonano ripiegandosi sull'amore per la madre come se null'altro contasse: Giovanni rinuncia a tutto pur di non perdere un attimo degli ultimi giorni di Ada, come se anche la sua vita finisse con lei. Margherita no. Margherita è stata una cattiva figlia; molto diversa dalla madre, mai completamente compresa. Non è stata in grado di costruire un dialogo e il suo dolore esplode nella realizzazione che non c’è più tempo per recuperare. Sfinita da veglie notturne in Terapia Intensiva, è incapace di trovare argomenti nonostante la madre continui a seguirla con sguardo amorevole come deve aver fatto per tutta la vita. Ma lei non se ne accorge e riversa la sua frustrazione sul lavoro, in estenuanti maratone sul set, di riprese che porta avanti senza convinzione. Il dramma familiare non ferma la vita che scorre intorno, così si ritrova ad averne due: una dentro e una fuori l’ospedale.

Nanni Moretti sa raccontare la morte; l’ha già dimostrato ne “La stanza del figlio” e in “Caos calmo”. Anche questa volta lo fa spiegando l’assenza, il vuoto che rimane dopo che una persona ci lascia. Un figlio, una compagna, un genitore; un’escalation di dolore che si avvita su sé stessa per un ritorno all'origine, nella constatazione che quando il momento arriva, a chi resta, manca la terra sotto i piedi, il punto di riferimento, anche quando il rapporto è stato conflittuale o doloroso. A volte c’è bisogno anche di quel conflitto e di quel dolore per rendere le vite più reali. Margherita Buy riesce a tradurre ancora una volta il pensiero dell’autore, con un’interpretazione di grande sensibilità, confermandosi attrice feticcio di Moretti, in questa pellicola, addirittura suo alter ego.

Un film intenso, fatto di quella normalità che rende la celluloide più vera, alla quale il regista romano ci ha abituato da anni. Questa volta però velato di un’energia positiva che filtra da Ada, inizialmente fragile e confusa ma in un secondo tempo serena; sarà la sua tranquillità a dare ai figli la forza di reagire, suggerita nell'ultima scena da un sorriso di Margherita agli amati libri della madre, anch'essi orfani. Una storia come tante che diventa un momento di riflessione personale e collettivo, nel quale trovano spazio sprazzi comici del tutto contestualizzati perché la vita può essere così, dolce e amara.

Cameo godibilissimo per John Turturro che punta il dito contro la vacuità della società delle immagini.

Commovente. 

Piccoli così

Di Angelo Marotta

Angelo Marotta, regista romano, racconta in 70’ l’esperienza della prematurità di sua figlia Rita e di altri bimbi, dalla nascita ad oggi.

Ci sono Luca, Ascanio, Rita, Vittoria, Aisha, Laura, Antoine, Arianna, Manuel, ci sono le loro incubatrici, le loro storie e i genitori. Le immagini alternano momenti in T.I.N. (Teapia Intensiva Neonatale) a momenti outdoor, in famiglia, con salti temporali dai primi giorni di vita fino ai 18 anni di Laura e ai 15 di Antoine.

Immagini, testimonianze di persone che hanno visto cambiare la loro vita da un vagito; gravidanze brevi, a volte brevissime che ribaltano ogni legge fisica e generano una vita sconvolgendone molte. Non esistono solo bambini prematuri ma genitori prematuri che devono raccogliere le forze, affidarsi ai medici, a chi crede, in Dio, e sperare e lottare ogni giorno accanto a un esserino che li porterà per mano lungo un percorso ignoto e spaventoso ma che li farà rinascere a vita nuova.

La prematurità può portare a gravi conseguenze, a dolore, a volte alla morte eppure, Marotta sceglie la speranza e pur mantenendo un dialogo sincero offre al pubblico la sua visione: l’incertezza, il dubbio, poi lo stupore e l’amore più grande di ogni immaginabile paura che gli consente di realizzare un documentario asciutto e corretto che diventa leggibile a più livelli. Da un lato le famiglie che hanno vissuto il suo stesso percorso che si rivedranno sullo schermo, in quei giorni; dall’altro, il pubblico ignaro che entra in sala in cerca di verità e varcando quella soglia entra per la prima volta, forse l’unica, in una TIN, accanto ad un’incubatrice, ascoltando quegli allarmi, vivendo quei ritmi con uno stato d’animo che diventa qualcosa di più di quello di un semplice spettatore. C’è tenerezza, spavento, angoscia ma anche gratitudine per aver mostrato senza autocelebrare, un microcosmo nel quale si entra per caso o non si vedrà mai.

C’è di più: i racconti affidati ai genitori vanno oltre la sopravvivenza ed ecco che il focus si sposta su come si sopravvive. Molti bimbi devono solo crescere; per altri non sarà così semplice. Una breve gestazione può comprometterne lo sviluppo e causare ritardi e difficoltà ma quello che rimane, quando si riaccendono le luci è l’immagine di bimbi che, nonostante occhiali o protesi, giocano felici in un prato, continuando a sfidare le dinamiche sociali come hanno già fatto, con quelle della natura. Anche nella disabilità, laddove subentra, c’è normalità ed il dono che queste famiglie hanno ricevuto va condiviso con chi  non potrà mai capire. I bimbi “piccoli così” mettono sotto una nuova lente la vita di tutti i giorni e la mostrano immediata e bellissima per come essa è; non c’è sgomento ma solo gioia di andare avanti e crescere in chi, nei primi mesi, ha già vinto la sfida più grande. Quella con la vita.

Li chiamano i “piccoli guerrieri”. Dev’essere vero.

Tante emozioni in pochi minuti per la pellicola di un regista intelligente che con un buon montaggio riesce a spiegare dinamiche complesse ed a volte imperscrutabili.

Fra i premi raccolti anche il premio Unipol per la distribuzione al Biografilm festival di Bologna. Menzione speciale a Valeria Adilardi che ha creduto nel progetto, producendolo.

Bello.

Birdman

di Alejandro Gonzalez Inarritu

USA 2014

Riggan Thomson ha alle spalle un successo planetario come star cinematografica della serie fantastica “Birdman”, un supereroe con costume da uccello che ha stregato il pubblico. Ma questo accadeva negli anni novanta. Dopo l’estasi mediatica, spenti i riflettori, esaurita l’aura iconica, deve fare i conti con alcol e droghe, l’assenza dagli schermi e la consapevolezza che “la sua salute è durata più dei suoi soldi” così, s’imbarca in un’impresa titanica: riscattare la sua carriera portando a Broadway uno spettacolo drammatico, un riadattamento ambizioso di un classico, con attori talentuosi che rischiano solo di fargli ombra. Riggan sfugge alla voce della sua coscienza e vuole dimostrare che ha talento, non solo un costume con le piume.

Ma la strada del successo, quello vero, quello della critica, è lunga e tormentata.

Dal genio di Inarritu, il film premiato con 4 Oscar che parla di spettacolo, di successo ma anche di demoni e di declino. Girato con un mirabolante, unico ed ininterrotto piano-sequenza che porta dentro e fuori il teatro, per le strade di Broadway, sul palcoscenico e nei camerini, è questo un film “nel” teatro “sul” teatro ma anche sulle debolezze umane; la vita dopo il successo, cosa accade a chi l’ha vissuto. Riggan vive all’ombra di una celebrità patinata che non ne ha mai rivelato le doti artistiche e lo spettro di essere stato costruito solo come personaggio ma non aver mai imparato davvero l’arte della recitazione aleggia per tutta la durata del film. Il suo dialogo interiore accompagna tutta la vicenda e il dubbio che parli con un’entità sovrannaturale che fa parte di sé, trasforma la sua vita in un mistero che svela potenti poteri paranormali che non trovano mai una vera manifestazione pubblica. Il suo potere così come il suo talento restano nascosti nel suo sé e sarà la via della follia ad aiutarlo a sprigionarli. “Birdman” descrive il mondo del teatro per come il pubblico lo immagina, coi suoi veleni, gioie e dolori, la scalata al successo, gli intrighi e le paure  inserendo però l’elemento soprannaturale che lo mostra sotto una luce inquietante, indefinita, tra realtà ed assurdo.

Forse troppo lungo, claustrofobico e a volte lento ma accattivante al punto da far sentire “a casa” grazie anche alla scelta degli attori adeguati ai ruoli: Michael Keaton (Riggan) e Naomi Watts(Lesley) con le loro rughe cinquantenni ed Emma Stone (Sam) col suo incarnato d’alabastro, sotto ogni riflettore. Attori che interpretano attori con storie analoghe tra finzione e realtà, raccontati attraverso una fotografia impietosa che non edulcora i volti scavati né le calvizie incipienti. “Birdman” DEVE mostrare i fatti per come sono e far emergere i fantasmi più reconditi. Lo fa senza troppi patemi, riservandosi un finale surreale.

Campeggia la personalità di Ed Norton, perfetto in ogni circostanza in grado di passare dal ghigno alla dolcezza in pochi secondi grazie al giusto distacco e ad un fascino british  anche se british non è.

Resta qualche perplessità sull’adeguatezza di tanti premi in un film che piace ma non sconvolge, pur rimanendo un’eccellente prova registica.

Bellissima la figura della spietata critica cinematografica che procede come uno schiacciasassi nel processo di purificazione del mondo dello spettacolo dai falsi talenti e che si placherà solo con un tributo di sangue!

Nosferatu il Principe della Notte

di Werner Herzog

Germania, '79

Olanda, metà ottocento. L’agente immobiliare Johnatan Harker viene inviato in Transilvania per chiudere un contratto d’acquisto con il Conte Dracula, determinato a trasferirsi nei Paesi Bassi. Durante il viaggio Johnatan si cala in un’atmosfera paurosa dettata dal mistero che aleggia intorno alla presenza del nobiluomo. Determinato a concludere l’affare approderà al castello ma dovrà constatare suo malgrado che le leggende intorno al conte sono vere: il conte è un vampiro di antica stirpe che non esiterà a farne sua vittima prima di solcare il mare per raggiungere l’Olanda e l’amata Lucy, devota moglie di Harker con la quale si è instaurato un singolare legame telepatico. Una volta arrivato, il conte dilagherà per le vie della città come un morbo mefitico e travolgerà con sé giusti e malvagi.

Traendo libera ispirazione dal romanzo “Dracula” di Bram Stoker ed omaggiando il “Nosferatu” di Friedrich Wilhelm Murnau del 1922 Werner Herzog si impegna in un remake che rimane nella storia del cinema. “Nosferatu il principe della notte” è un film asciutto, tetro, con qualche trovata tecnica che oggi fa sorridere come il montaggio del volo del pipistrello ma che mantiene attualissimo il suo messaggio di rottura coi tempi. Herzog vuole realizzare un grande film e ci riesce; nessuno meglio di lui sa trasporre la figura macabra del vampiro in un’ottica tanto umana. Nosferatu risveglia le paure ataviche e lo fa con un’eco dolente di giorni perduti. La sua moderna chiave di lettura apre le porte della paura attraverso le vesti spoglie di un antieroe che atterrisce ma al tempo stesso attrae. Pur mostruoso è romanticamente vulnerabile, tanto da suscitare pietà nello spettatore che ne rimane suo malgrado affascinato, vittima consenziente delle sequenze più violente. Ma la violenza è solo suggerita in un gioco di non visto che lascia tanto spazio all’immaginazione da non avere limiti. Il pubblico come Johnatan Harker viene stregato senza opporsi, prosciugato di ogni volontà, prostrato di fronte alla potenza del “principe della notte”. Mito o leggenda c’è bisogno di credere in qualcosa di spaventoso ma al tempo stesso così umano da permettere una totale identificazione nel pubblico; Herzog dirige un magistrale Klaus Kinski che attinge a tutte le sue doti più introspettive per portare in scena un mito. Se è vero che “non c’è piacere uguale alla paura” [cfr. Clive Barker] è altresì vero che questo vampiro entra sotto pelle come un cancro maligno impossibile da estirpare. Il suo viso tagliato con le luci, emerge dal buio, nelle scene salienti, di lunghi primi piani interamente omaggianti l’estro di Kinski e al mito di Murnau. Klaus accetta la metamorfosi e ci regala il più bel “non morto” della storia del cinema, grazie a un po’ di cerone e pochi artifici. Il suo viso irrompe prepotente sullo schermo come una maschera perfetta che incarna il dolore del mondo: rughe e pieghe autentiche intorno ad enormi occhi espressivi che riescono a guizzare da una lacrima di malinconia a bagliori di lucida ferocia. Non c’è recitazione ma solo immedesimazione per una prova d’attore magistrale per la quale impegna tutta la sua follia nell’interpretare l’essenza dell’angoscia per una vita eterna. I monologhi esplicativi dalla solitudine cosmica all’amore eterno esplodono il concetto di inutilità dell’esistenza laddove vissuta nella ripetizione delle banalità quotidiane ma risultano a tratti ridondanti perché filtrati da un volto perfetto che già attraverso il suo sguardo ipnotico trasmette molto di più. Nosferatu è inquietante e disturba con la sua presenza netta e catartica; il suo incedere lento, le sue movenze eleganti che a tratti diventano animalesche laddove la sete di sangue viene innescata da un gesto anche banale, hanno la magia di una danza. Le mani che non gesticolano ma strisciano intorno agli oggetti, sinuose, con le unghie lunghe e viscide da rapace, sono pronte ad aprirsi in artigli mortali la quale violenza è solo profetizzata. La pellicola trasuda della presenza del vampiro sebbene compaia soprattutto nella prima metà del film, laddove viene creata attesa, angoscia e profetico smarrimento; poi brevi shot in mezzo ad altre sequenze, per ricordare che lui c’è. Nosferatu come presenza in uno specchio senza riflesso, in una stanza vuota, accanto a chi dorme sotto forma di vento leggero; la paura viene insegnata dal primo fotogramma per non lasciar più lo spettatore, per concludere con un finale senza speranza. L’arte del terrore senza mostrare va in aiuto della sceneggiatura che riesce a vivere di quel senso di presagio e di tormento cadenzati dalla colonna sonora cantilenante che ricorda un vento foriero di cattive notizie. La musica come un coro greco a sottolineare i momenti chiave, a cadenzare i battiti del cuore per spingerli sempre più in là catalizzando l’attenzione oltre la consapevole volontà. In questo clima lugubre Herzog inserisce delle figure allegoriche di singolare bellezza: il piccolo violinista testimone della prigionia di Harker e la peste dilagante. Entrambe figure teoriche e non personaggi reali, identificano la coscienza il primo e il male la seconda. La scena del banchetto durante la peste in cui la follia dilaga laddove tutto è ormai perduto, rappresenta la resa degli uomini alla lotta al male; un pasto fra prossimi fantasmi di fronte ad una Lucy che rimane solida nella sua fede e nella sua lotta. E’ lei l’ultimo baluardo ed è a lei che Herzog affida la magia della seconda parte. Stravolgendo i ruoli che Bram Stocker assegnò ai personaggi, il regista gira con camera a mano quasi tutte le scene d’azione per trasmettere un maggior realismo ed instillare la sensazione di preda nello spettatore. Sarà Lucy a guidare la lotta contro il vampiro, unica ad aver realizzato e capito il senso della tragedia che travolge la cittadina, armata solo del suo amore per il marito e della sua fede. Omnia vincit amor; Lucy contro la morte, la luce contro l’oscurità, l’amore puro contro il desiderio. Nella versione di Herzog è l’amore l’unica arma possibile spostando su un altro livello la lotta contro il male; ma poiché il film nasce dal dolore, se il male può soccombere di fronte all’amore è anche vero che l’amore può essere risucchiato da rinnovato male, in una lotta senza soluzione di continuità. L’unica vera forza del film è proprio questa, l’impossibilità di abbassare la guardia e potersi abbandonare ad un rassicurante lieto fine, la certezza che nessun gesto, anche il più estremo, possa essere sufficiente. Nella visione pessimistica del regista non c’è spazio per il romanticismo sebbene vettore delle vicende ed elegante scelta stilistica. Un film intelligente ed appassionato sull’esistenzialismo, unico nel suo genere così viscerale e coinvolgente come il suo protagonista. Nosferatu è la più bella dichiarazione d’amore che possa esistere e al tempo stesso una pesante richiesta d’aiuto da parte di chi non riesce più a vivere in un mondo fatto di “futili cose”. La condanna del mostro non è la solitudine ma la banalità e l’impossibilità di vivere un’esistenza più piena fermando il tempo. La denuncia di Herzog è attuale ancora oggi a trent’anni di distanza perché c’è immedesimazione tra il suo Conte ed ognuno di noi, oltre che sé stesso. Il connubio tra il regista e Kinski permette di mettere in scena la magia di una perfetta rappresentazione delle umane miserie come nella scena chiave del banchetto.  Prendendo in prestito le atmosfere dei pittori fiamminghi si ha una rappresentazione teatrale armoniosa e compenetrata dello spirito dell’epoca. Lo scenario naturale della cittadina tedesca di Delft rimanda ad un clima da operetta mentre l’incubo viene fatto serpeggiare libero come le centinaia di topi che ne invadono le strade. Per sua stessa ammissione, “Nosferatu il principe della notte”  è il primo film che “va oltre la sua persona” perché impone a Herzog delle regole necessarie per farne il remake perfetto dopo sessant’anni. Con esso viene stabilito un legame tra il Grande Cinema degli anni venti e l’espressionismo tedesco dei primi anni ottanta. Prelevando movenze dal cinema muto degli anni venti e surclassando il lungo elenco di pellicole dedicate all’elegante conte Dracula, infatti, Herzog compone a 35 anni un’opera unica per finezza stilistica e semplicità espressiva. Come il suo mostro va in scena senza troppi fronzoli, la sua regia è limpida ed alterna scene lugubri ad altre aperte e luminose, come estrema sintesi della vicenda d’amore e morte che narra.

Nonostante l’istrionica presenza di Klaus Kinski è doveroso ricordare gli altri protagonisti: una Isabelle Adjani di rara bellezza, luminosa, eterea, botticelliana ma anche cupa e determinata, moderna eroina pronta a tutto pur di sconfiggere il male e Bruno Ganz che riesce a rimanere tra le righe per tutto il film interpretando il ruolo del principe coraggioso, ma in grado di emergere improvvisamente in un geniale colpo di coda che raggela.

Commovente, profondo, potente, romantico: un capolavoro senza tempo.

Maleficent

di Robert Stromberg
USA, 2014

La vera storia de “La bella addormentata nel bosco” vissuta dal punto di vista della strega Malefica. Una nuova prospettiva e soprattutto nuove conclusioni e retroscena. I buoni non sono poi così bravi e i cattivi, in fondo, hanno un cuore più tenero del previsto.

La Walt Disney mette a segno un nuovo record di incassi con questa favola epica densa di creature fatate, re potenti e principesse in pericolo. La brughiera misteriosa ospita la più potente delle fate, Malefica che delusa e tradita dall’amore si trasforma in una strega malvagia finchè…

Ancora una volta una riedizione in chiave moderna di un classico per le famiglie non tanto gotico ma abbastanza, da rivolgersi ad un target dai pre-adolescenti in poi. La computer grafica fa miracoli ancora una volta regalando una fotografia da vera favola e riuscendo a trascinare lo spettatore sulle ali della fantasia e non solo. La versione 3D promette brividi ma soprattutto vertigini. Le immagini botticelliane degli abitanti del bosco tripudiano nei controluce di Maleficent oltre le nuvole, ma la sincera verità è che il film brilla della stella di Angelina Jolie, bellissima e altera nonostante i tratti deformati. Il suo personaggio fiero ed elegante, giustifica la ferocia che la trasfigura poichè tradita nel sentimento più dolce e profondo. La sua vendetta che esplode nella scena del maleficio alla principessa, vale tutto il film per perfezione espressiva ed esattezza di tempi scenici; purtroppo dura troppo poco e il film si sbrodola in lungaggini ed immelensimento della stessa Malefica che diventa oltremodo buona. Troppo.

La dark side di ogni spettatore non è appagata da quest’inversione di tendenza e la delusione c’è; cosi come non convince Elle Fanning come Principessa Aurora, al limite dell’ebetismo. Ancora peggio gli altri interpreti dalle fatine troppo ridicole al principe Filippo che così imbranato non se lo ricordava nessuno.

Bella la figura del re Stefano, devastato dall’arrivismo e dall’ambizione.

I costumi in pelle di serpente, latex e quant’altro meritano una menzione, così come le favolose ali della strega che vivono di vita propria. Piccole chicche che ricordano però altre cattive doc quali Catwoman e gli X-Men, ad esempio. Le ispirazioni ad altri fantasy ci sono e molte: dalle citazioni di Fantasia ai Barbalberi del Signore degli Anelli, l’elenco è lungo.

Per quanto concerne il messaggio disincantato dove “non si vive più felici e contenti” con la famiglia e per il quale “l’amore vero non esiste”, potremmo sollevare qualche dubbio perché se è giusto non indorare la pillola alle generazioni future è anche giusto lasciargli almeno qualche speranza.

Maleficent è una rappresentazione teatrale con qualche ombra ed alcune luci fra le quali, la  più fulgida, lo sguardo perfido della sua protagonista.

Così-così. 

Sacro GRA

Italia, 2013

Di Gianfranco Rosi

Sacro GRA è il primo documentario ad aver vinto il leone d’oro alla 70° Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia e il primo film italiano ad esser stato premiato dal 1998.

Girato da Gianfranco Rosi, salito alla ribalta nell'ultimo decennio, che ne firma anche la sceneggiatura, è la prima vera fotografia di quanto graviti intorno alla capitale d’Italia.

Si tratta di brevi shots montati in alternanza tra loro che ritraggono la storia di personaggi legati al Grande Raccordo Anulare: prostitute, sfollati, pescatori e studiosi, ognuno interpreta sé stesso in un’antologia di esperienze autentiche e senza filtri. La macchina da presa si sposta da una vita all'altra rimanendo ancorata al filo rosso dell’anello carrabile più grande d’Italia che spezza le storie col suo lento fluire, come un fiume continuo di automobili, luci, suoni. Nell'altalena di emozioni che coinvolge i protagonisti, la sola costante è la visione ipnotica del raccordo col suo potere catartico, una pausa nella vita, un’interminabile, costante movimento di massa. L’opera di Rosi affascina visivamente chi è estraneo ai fatti e rievoca ricordi familiari a chi lo conosce; da romano non si può che provare affezione verso la rappresentazione inedita e significativa di una realtà che ci rappresenta, indubbiamente meno romantica ma ugualmente imponente nella sua concretezza. Rosi ha il pregio di esser riuscito a tradurre in poesia un incubo quotidiano che appartiene a tutti gli abitanti di Roma; ci scorre nelle vene come sangue e come tale è necessario ed indissolubile. Il GRA taglia dentro e fuori vite ed emozioni, tracciando un confine violento tra la Roma d’amare e quella drammatica dei dimenticati. Non c’è nessuna Grande bellezza nel messaggio di questa pellicola che lascia un segno più eloquente di tante altre alchimie, raccontando la vita con una narrazione poco lineare, sì ma magnetica che merita sicuramente il premio.

Per gli abitanti di Osteria del Curato, sarà come sentirsi a casa seguire le storie di via Campo Farnia.

American hustle

USA 2013

Irving Rosenfeld, imbroglione di professione, è cooptato da un agente dell’FBI per collaborare ed aiutarlo a smascherare un giro di corruzione a sfondo mafioso. Sydney Prosser è la sua partner criminosa che  sconvolgerà gli equilibri.

La rievocazione seventies è perfetta e richiama atmosfere di nostalgica frenesia. Il racconto dell’inganno si snoda lento e sincopato, a volte ridondante, con qualche buco di sceneggiatura e lungaggine di troppo; ma l’accuratezza dei costumi e dell’ambientazione ci rimanda a tempi andati in cui, forse, le vicende si svolgevano davvero così. Di certo, così venivano girati i film; video patinati, capigliature fonate e tanto, tanto glamour! Una messa in scena fantastica.

Altrettanto magnifico è Christian Bale, col suo più che astuto lestofante dal “riportino” come “Tallone d’Achille”. Nevrotico, paranoico, calcolatore, indecoroso ai limiti della decenza, sbattuto sullo schermo così com’è, senza paura di mostrarsi, abbietto e patetico. La prima sequenza, nella quale ci viene presentato, non può che  rimandarci ad un arguto parallelo: l’omuncolo che si dedica all’accurata architettura della pettinatura, nel disperato tentativo di nascondere la calvizie incipiente che lo affligge, per poter vestire con maggior credibilità i panni del boss ha lo stesso sguardo compiaciuto di Patrick, folle omicida in “American Pshyco”. La preparazione mattutina, la voce fuori campo che descrive i singoli passaggi sono identiche ma siamo agli antipodi; goffo e sgraziato l’uno, bello come il sole l’altro. Patrick si prepara con maniacale dedizione in un appartamento fantastico che guarda Manhattan mentre Irving lo fa in un albergo senza nome. Se il primo si galvanizza alla luce della sua mente malata, curando il corpo come un tempio per prepararlo al contatto col mondo, il secondo lo fa difendendosi dallo scherno, confrontandosi in solitudine col suo fisico sfatto. Bale interpreta entrambi con uguale accuratezza e precisione mettendo in Irving tutta l’umanità che non può concedere a Patrick, intriso di follia. Una prova d’attore fantastica che parte dal fisico per modellare l’anima, dedicata però ad un film che lo tira a fondo, impedendogli di mietere premi.

Sullo sfondo, una storia d’amore che sdogana tutti i personaggi in un finale di assoluzione corale in cui la grande menzogna finisce per rivelarsi plateale cinismo ed ognuno vomita la sua verità senza appello.

Omnia vincit amor… davvero? 

Io sono Li

Italia, 2011

Di Andrea Segre

Li è un’operaia cinese strangolata dalla mafia e manipolata come una pedina, spostata sul territorio italiano dove serve, mutevole e camaleontica su richiesta dei suoi “padroni”. Lavora come un’operosa formica per pagare il suo debito e riabbracciare il figlio. La scena dominante si sposta a Venezia, tra le sue calli nebbiose e desolate, umide, fredde, apatiche. Un non luogo sul quale affaccia il bar che Li va a gestire, tradotto in realtà come una taverna d’altri tempi, punto d’accumulazione di personaggi che vivono e muoiono lì dentro in attesa che il tempo scorra e il vino scadi le loro vene.

Li non riesce ad esercitare il distacco che le viene imposto e cerca un po’ di umanità nei rapporti distaccati coi clienti, fuori dalle quattro mura che condivide con una compagna con la quale parla poco ma condivide la schiavitù. Incontra “il poeta” che non le chiede nulla ma col quale alimenta giorno dopo giorno, sguardo dopo sguardo, un rapporto tenero ed innocente, in cui due solitudini totali comunicano alla ricerca di umanità. Scoperta ancora una volta dai suoi aguzzini sarà trasferita da un giorno all’altro e il rapporto reciso come un fiore. La distanza ucciderà tutto: sentimenti, persone, leggerezza in un appiattimento verso la disumanizzazione imposta. Ma il cuore batte nonostante l’oppressione e Li potrà realizzare il suo sogno seppur a caro prezzo.

Un film semplice, tracciato con poche battute e molti sentimenti, girato da un italiano, in un Veneto che anticipa di qualche anno le necessità secessioniste, con un sorprendente risultato che lo avvicina in modo potente alle atmosfere della migliore cinematografia cinese.

Interpreti intensi ai quali visi scolpiti nella pietra e levigati dalla salsedine della laguna è affidato il duro compito di trasmettere un empatico senso di oppressione e al tempo stesso di rivoluzione. Compito assolto doverosamente, sul quale regna sovrano il più profondo dei sentimenti: l’amore materno che va oltre ogni umana consapevolezza.

Andrea Segre, regista di documentari, firma per la prima volta questo lungometraggio che arriva diretto al cuore in un lento percorso evolutivo che nei suoi 98’ scioglie anche i cuori più duri.

Bellissima Tao Zhao nella sua interpretazione asciutta e sensibile, concentrata nel profondo sguardo materno. Rade Serbedzija la affianca dando vita ad un personaggio disperatamente umano.

Intenso

Come l’acqua per gli elefanti

Usa, 2011

120’, colore

Dopo la morte dei genitori, la vita di Jacob Jankowski viene sconvolta. Abbandona gli studi di veterinaria ed inizia ad errare in fuga dalla realtà. Approda fortunosamente in un circo dove verrà assunto come veterinario ma il suo destino sarà ben diverso.

L’incontro con la bellissima Marlena e con il di lei marito August lo porteranno a superare ogni inibizione nel perseguimento della felicità.

Siamo di fronte ad uno dei film più visti della scorsa stagione cinematografica; tratto dal romanzo omonimo di Sara Gruen custodisce il suo successo nella favolistica ambientazione del circo. La storia è già vista, gli attori sono noti e sufficientemente bellocci, il ritmo a volte è lento ma “Come l’acqua per gli elefanti” ha in sé non solo la magia del circo ma anche il fascino dei ricordi, così impostato come flashback che trascina noi tutti sin dai primi fotogrammi in un piacevole viaggio a ritroso nel tempo in quell’America che avremmo voluto conoscere, muovendoci tra personaggi che potrebbero esser stati i nostri nonni.

Plurinominato e premiato il film può confidare su costumi da sogno ed interpreti di livello.

Robert Pattinson abbandonati i panni del tenebroso vampiro di Twilight dimostra di saper recitare e che un po’ colorito gli dona. La partner femminile Reese Witherspoon bellissima nei panni di Marlena è intensa e sensuale facendo dimenticare la performance più nota de “La rivincita delle bionde”; il tempo le ha donato fascino e dimostra di saperlo usare. Christoph Waltz infine, sull’onda dei grandi successi degli ultimi anni a partire da “Django” di Quentin Tarantino, forse non sarà di primo pelo ma si conferma ottima rivelazione dell’ultimo periodo.

Una pellicola d’intrattenimento spettacolare e romantica da vedere in famiglia per apprezzare il tempo che fu.

Gradevole.

La mafia uccide solo d'estate

di Pierfrancesco Diliberto Pif

Italia, 2013

colore 90'

Pif: ex VeeJay ed ex Iena, titolare di un programma che dirige e realizza, “Il testimone”, in onda su Mtv; camera a mano, descrive e racconta le diverse categorie umane con sottile ironia. Ironia e acume che ha messo in “La mafia uccide solo d’estate”, definito il più bel film di mafia mai girato.

Non ci si aspettava tanto ma ha dato moltissimo per descrivere la sua terra, martoriata da un nemico nemmeno tanto occulto, che esplose proprio negli anni in cui lui, bambino, iniziava a guardare con occhio critico il mondo.

Il film narra la storia di Arturo (forse autobiografica?), innamorato di Flora e con la passione per il giornalismo che vince un concorso di scrittura e diventa giornalista per un  mese. Arturo, ammiratore di Andreotti ed inconsapevole testimone di tutti i grandi eroi di Stato. Il generale Dalla Chiesa, Giorgio Boris Giuliano capo della Polizia, i giudici Borsellino e Falcone e molti altri, martiri della giustizia che incontra nella sua Palermo; persone qualunque che gli parlano come visioni illuminate di un’Italia martoriata ma con la giusta accortezza necessaria a spiegare l’orrore ai bambini.

Quell’orrore Arturo lo sperimenta per le strade, nella gente, negato dalla famiglia che minimizza omertosa o inconsapevole forse, di sicuro spaventata da una guerra che vive.

Nel film c’è spazio anche per i mostri di mafia, sapientemente descritti senza mai essere realmente accusati; macchiette che uccidono davvero.

La consapevolezza di Arturo si incarna nell’amico giornalista, quello vero che cerca di aprirgli gli occhi senza violenza ma con la dolcezza di chi constata il candore dei bambini. Candore che Arturo conserva da grande, quando ritrova Flora ed insieme cercano una nuova coscienza. Un futuro sincero per i loro figli.

 Cristiana Capotondi accompagna Pif in questa storia lieve e violenta, autentica e profonda che commuove. Un film in punta di piedi, asciutto, forte dell’unica arma che abbiamo:  la verità.

Imperdibile.

Lo spazio bianco

di Francesca Comencini
Italia, 2009

Maria diventa madre in età matura di una bimba, al sesto mese di gravidanza. L’esperienza in Terapia Intensiva Neonatale, accanto alla figlia, la segna profondamente e le fa affrontare la durezza dei fatti suo malgrado, raggiungendo una nuova consapevolezza di sé.

Tratto dall’omonimo romanzo di Valeria Parrella, “Lo spazio bianco” è uno dei pochi film che indaga lo spinoso argomento della prematurità. L’attesa, l’incertezza, la paura per la vita di un figlio, catapultano i genitori in una dimensione irreale fatta di ore d’immobilità di fronte ad un’incubatrice in cui i medici cercano di recuperare il tempo perduto. E mentre nel reparto la vita si congela, sospesa al ritmo di piccoli battiti di speranza, fuori prosegue inesorabile coi suoi impegni; difficile per chi vive tutto questo riuscire a trovare una collocazione, il ruolo perduto. Lo sdoppiamento esistenziale dei genitori richiede molta forza per rimanere concentrati e non perdere la testa. Il percorso obbligato, per alcuni molto lungo, per altri senza speranza, li costringe a vivere ora per ora senza possibilità d’intervento.

Margherita Buy impiega tutte le sue energie per tradurre in emozioni il dramma di Maria e riesce a farlo attraverso i suoi grandi occhi che campeggiano nelle inquadrature accecanti del reparto.

Ma se la routine quotidiana e la solidarietà tra genitori sono ben descritte, rimangono troppi “spazi bianchi” nella narrazione. I genitori risultano satelliti intorno ai figli, i medici distanti e i macchinari evanescenti. La scena asettica. Non è così: il suono dei monitor, delle pompe, delle macchine, sono i veri protagonisti e la morte è troppo spesso regina.

La visione poetica e edulcorata di Francesca Comencini lascia molte perplessità e pur volendo essere diretta non ci riesce. Il montaggio macchinoso e la scarsa profondità emotiva creano ulteriori barriere tra la vita in Tin e il mondo “che guarda”. Sarebbero serviti meno spocchia e più cuore per raccontare un incubo.

Deludente.

Il Grande Gatsby

di Baz Luhrman

Long Island anni venti. Nick Carraway è un giovane di belle speranze affascinato ed incuriosito dalla lussuosa vita del suo misterioso vicino di casa Jay Gatsby. Verrà presto introdotto nel bel mondo e si troverà suo malgrado testimone di foschi retroscena che gli mostreranno le insospettabili ambigue personalità delle persone a lui più care.

Tratto da una novella di F.Scott Fitzgerald, “Il Grande Gatsby” è alla sua terza edizione; scritto, diretto e prodotto da Baz Luhrmann che accetta la sfida di trasporre un classico della letteratura americana.

La sua versione teatrale e pirotecnica si avvale della caleidoscopica interpretazione di Leonardo Di Caprio che esordì con lui in “Romeo+Giulietta” e che conferma, se mai ce ne fosse bisogno, di essere passato da idolo delle adolescenti  ad attore di grande talento ormai indiscusso. La sua capacità di passare da un ruolo comico ad uno drammatico viene sfruttata al meglio in questo film costellato da scene di grande impegno espressivo.

Luhrmann condisce la storia con le scene corali da videoclip che lo contraddistinguono e che se avevano innovato nel film d’esordio e stregato in “Moulin Rouge” qui risultano abusate; apprezzabili solo da chi le vede per la prima volta. Il grande uso di computer grafica consente una maggior esplosione visiva delle scenografie e dei costumi studiati con grande minuziosità. Sicuramente lontano dalle immagini patinate di Francis Ford Coppola che portò sullo schermo la coppia Robert Redford- Mia Farrow “Il Grande Gatsby” ha il fascino di un carrozzone variopinto che travolge lo spettatore coi suoi ritmi fracassoni ma ben calibrati trascinandolo ad un cinico epilogo dal quale è impossibile  distogliere lo sguardo.

Nonostante la raffinatezza estetica, la maestria registica e le ottime prove d’attore non solo di Di Caprio ma anche di Tobey Maguire e Carey Mulligan, questa nuova trasposizione si limita ad un buon film d’intrattenimento molto lungo e poco utile.

Gradevole.

Amiche da morire

di Giorgia Farina

Cosa hanno in comune la prostituta Gilda, la sposina Olivia e la iettatrice Crocetta? Niente fin quando l’esigenza di occultare un delitto non le costringe ad una convivenza forzata e ad un’amicizia di facciata per salvare le apparenze. Sulle loro tracce, un ispettore con la giusta intuizione, sullo sfondo di una assolata isola mediterranea.

Amiche da morire è una simpatica commedia di quelle delle quali sentiamo il bisogno per trascorrere una serata divertente. Buoni i tempi scenici e la sceneggiatura, bella la location, bravi gli interpreti. Primo lungometraggio della regista Giorgia Farina è un piccolo film che rischiara l’orizzonte della commedia italiana. Dialoghi intelligenti dallo humor sottile e mai gridato, scevro di turpiloquio  e capace di strappare più di una risata di cuore alla platea.

Giocato sulla commedia degli equivoci e costruito con intelligenza consente alle tre interpreti principali di esibirsi in chicche umoristiche senza mai perdere credibilità né stile.

Claudia Gerini nei panni di Gilda sfodera tutto il suo charme da sirena ammaliatrice alternandolo ad una divertente maschera comica; Cristiana Capotondi interpreta con candore il ruolo dell’oca Olivia, ispirandosi di certo all’indimenticabile Lorelei Lee di “Come sposare un milionario”;  è per Sabrina Impacciatore il personaggio di Crocetta, la più comica e grottesca anche se la buona prova, rischi a volte di farla scivolare nel ridicolo.

Vinicio Marchioni, il Freddo del telefilm “Romanzo criminale”, veste i panni del Commissario Malachia; simpatico ma a volte un po’ troppo sopra le righe.

Globalmente un buon film dalle poche pretese e per questo ben riuscito.

Ricordiamo la sequenza omaggio a Sergio Leone.

Godibile

La Grande Bellezza

Di Paolo Sorrentino

Italia, 2013

Colore, 142’

Jep Gambardella è uno scrittore ma soprattutto il più famoso mondano di Roma. Fascinoso, indolente e sornione, cinico e disincantato verso il mondo, deluso dalla ricerca di quella Grande Bellezza che sembra non esser riuscito a catturare. Nella frequentazione di amici vecchi e nuovi esprime il suo pensiero sullo sfondo della gioventù perduta.

Ambientato in una Roma contemporanea tanto bella quanto decadente, l’ultimo film di Paolo Sorrentino, presentato a Cannes e candidato sia alla Palma D’oro che al Nastro D’Argento è un’opera controversa più ricca visivamente che di spessore. Benchè  metta alla berlina le istituzioni e la società del benessere nel tentativo di scardinarle dai loro falsi apparati, manca del sapore al quale l’autore ci ha abituati sin dai tempi de “L’uomo in più”. Pur avvalendosi della partecipazione di celebri  personaggi dello spettacolo  fra i quali Sabrina Ferilli nel ruolo di Ramona, Carlo Verdone in quello di Romano,  Antonello Venditti e Fanny Ardant  in quello di loro stessi e molti altri ancora, ci si interroga sul senso della pellicola. Il significato non è così immediato ma non si tratta allo stesso tempo di una pellicola criptica; sembra piuttosto di trovarsi di fronte ad un’esercizio di stile mal riuscito. Toni Servillo è l’istrionico protagonista che esplode nella scena  del 65° compleanno ma non basta a sdoganare un film pretenzioso che alterna sequenze narrative a fotografie d’arte evocando film più celebri senza averne la stessa patina. Se la burrosa Serena Grandi ricorda La Gradisca di Amarcord, Sabrina Ferilli ci viene presentata rubando la scena dello spogliarello a Flashdance. Sebbene la fotografia sia magistrale, non basta a indorare una pellicola troppo lunga che appesantisce il curriculum di un regista molto amato.
Una tiratina d'orecchie per la regia della scena del compleanno di Jep copiata pedissequamente allo stile Baz Lhurman.

Inutile.